Sehnsuchtsgroove und Texte ihrer selbst.

Auch in ihrem vierten Programm arbeiten Schertenlaib + Jegerlehner mit der subversiven Kraft der Phantasie, pendeln schwankend zwischen höherem Blödsinn und der Tiefe des Raums.

Ordnung und Chaos, Innigkeit und leichtfüssiger Irrsinn, Weltallmusik und Klangteppich verdichten sich. Übrig bleibt die Suche nach Rhythmus, Poesie, Sinnlichkeit und Balance. Während Schertenlaib noch ganz bei sich ist und nach der Quadratur des Kreises sucht, schwadroniert Jegerlehner leichtfüssig entlang der Weltläufigkeit und verstrickt sich im Groove. Beide wissen: Es ist der beat, der bleibt.

Martina Linn Band – Win What Yesterday Lost
Im September 2013 erscheint ihr Debut-Album «She Is Gone». «Betörende Country-Folk-Perlen mit Hang zur Verträumtheit.» schreibt zB 20 Minuten. Im Oktober 2015 wird ihr zweites Album «Pocket Of Feelings» veröffentlicht. Im Herbst 2019 das dritte Album "Win What Yesterday Lost". Alle Alben wurden aufgenommen und produziert von Marco Jencarelli (Gitarrist bei Philipp Fankhauser).

Martina Linn und ihre Band spielen eine feine Mixtur aus Folk, Pop, Gospel und Rock. Im Zentrum Martina’s aussergewöhnlich berührende Stimme!

Hank Shizzoe Quartet – Steady As We Go
Längst ist ja zumindest einschlägigen Kreisen geläufig, dass Hank Shizzoe der beste Roots-Rock-Songwriter und Gitarrenstilist ist, der nicht aus den USA kommt. Und dass er selbst noch zumindest einer der besten wäre, käme er doch aus dem gelobten Land>, schrieb 1998 die Pop- und Rockmusik-Bibel <Rolling Stone>.

Live ist der Sänger und Gitarrist Hank Shizzoe zusammen mit den hochkarätigen Musiker Simon Baumann (Stephan Eicher), Tom Etter (Züri West) und Michael Flury (Sophie Hunger) zu erleben.

Im Gepäck haben sie die aktuelle, fünfzehnte CD <Steady As We Go>. Wer Musik liebt, die von Blues, Pop, Rock, Country und Folk geprägt ist, sollte dieses Konzert nicht verpassen.

von Dominique Ziegler – Schauspiel
Deutschsprachige Erstaufführung

Eine aufreibende Verhörsituation, die einem Krimi ähnelt: Zwei Männer in einer Polizeistation. Der eine ist ein Polizist, der andere steht im Verdacht, einer terroristischen Gruppe beizutreten. Der eine verteidigt die Möglichkeiten, die unsere Gesellschaft bietet, der andere zeigt eine von Enttäuschung geprägte Jugend. Dann beginnt eine angespannte Befragung, wobei jeder versucht, sich so zu verhalten, dass der andere destabilisiert wird. Ihre unterschiedlichen Visionen der westlichen Welt stehen sich gegenüber. Während der junge Mann keinen Hehl daraus macht, die Ideen und Werte des Islamismus als richtig und wahr zu bewerten, tritt er dabei naiv und aggressiv auf. Er scheint ein Geheimnis zu hüten, das der Polizist mit behaglicher Ruhe aufdecken will. Mit viel Geduld versucht er eine Vertrauensbasis herzustellen und den jungen Mann in Widersprüche zu verstricken. Aber das Verhör nimmt eine unerwartete Wendung.

«Der Weg ins Morgenland» beschäftigt sich mit der aktuellen Frage: Welche Faktoren bewegen Jugendliche dazu, sich für gewalttätige und radikale Ideen einzusetzen?

Dominique Ziegler wurde 1970 in Genf geboren und ist ein Schweizer Theaterautor und Regisseur. Das Stück «Der Weg ins Morgenland» wurde bereits erfolgreich in Frankreich, Belgien und Genf aufgeführt.

Emil Steinberger kommt mit einem neuen Programm auf die Bühne, in dem er weitere seiner beliebten EMIL-Klassiker spielt, aber auch neue, ganz aktuelle Nummern.

Wenn Emil in die Kiste mit seinen alten Sketch-Manuskripten guckt, wird ihm fast schwindelig. So viele EMIL-Nummern sind in den Jahren 1969 bis 87 entstanden und zusätzlich noch ungefähr 300 Improvisationen, die er spontan auf Zuruf des Publikums gespielt hat. Eigentlich eine frühe Form des heutigen Impro-Theaters!

Was Emil im neuen Programm spielt, wollen wir noch nicht verraten. Nur soviel, er zeigt nur Nummern, die er im letzten Programm (”Emil – No einisch!”) nicht gespielt hat.

Vielleicht lässt er seinen 70er Jahre-Rennfahrer Hugi eine Zeitreise ins Jahr 2019 machen. Wer weiss, ob Hugi dann zu einem Formel 1-E-Bike-Rundstrecken-Rennfahrer mutiert.

Lassen Sie sich überraschen, was Emil aus der Wunderkiste holt. Sicher wird er Sie wieder einen Abend lang bestens unterhalten.

Oft hört Emil den Satz "Als Kind habe ich alle Ihre Nummern auswendig gespielt." Bringen Sie also auch ihre Kinder und Enkelkinder mit in die Vorstellung, denn “Alles Emil, oder?!” ist ein Programm für die ganze Familie. Beim letzten Programm besuchten manchmal drei Generationen einer Familie miteinander die Vorstellung … und die vierte Generation strampelte schon fröhlich im Bauch der werdenden Mutter.

Eines verraten wir Ihnen schon jetzt: Dieses Mal wird es kein fast dreistündiges Programm. Wir wollen ja, dass Sie rechtzeitig vor Mitternacht, zur Landeshymne am Radio, wieder zuhause sind.

Nach 23 Alben und unzähligen internationalen Tourneen zieht der italienische Cantautore Pippo Pollina eine Bilanz der vergangenen 30 Jahre seiner Karriere. Er bringt ein “Best of” auf die Bühne, mit dem sprechenden Titel „30 Jahre Camminando”, in Anspielung auf eines seiner wichtigsten und beliebtesten Lieder „Camminando” (Unterwegs).

Begleitet wird er von Roberto Petroli an den Blasinstrumenten, Fabrizio Giambanco am Schlagzeug sowie den Sängerinnen Claudia Sala, Adriana und Roberta Prestigiacomo.

Pippo Pollina wird seinen künstlerischen Weg anhand seiner besten Lieder nachzeichnen. Dabei werden sowohl einige sehr bekannte Stücke zu hören sein, als auch manch ein verborgener Schatz aus seinem mehrere Hundert Stücke umfassenden Werk. Schon immer ist als Reisender mit offenen Augen und offenem Herzen unterwegs und kann auf zahlreiche internationale Zusammenarbeiten zurückblicken: Georges Moustaki, Franco Battiato, Inti Illimani, Konstantin Wecker, Linard Bardill, Patent Ochsner, Rebekka Bakken, Charlie Mariano und Schmidbauer & Kälberer sind nur einige der Künstler, mit denen der sizilianische Sänger und Songwriter in verschiedenen Formaten zusammengearbeitet hat.

Peer Gynt, Sohn einer verarmten Witwe, träumt und säuft sich seine Zukunft schön. «König werd ich und dann Kaiser» schwadroniert er seiner Mutter vor, um gleich danach dem Nachbarn die Braut zu rauben, die er alsbald wieder sitzen lässt. Verantwortung für seine missglückten Unterfangen zu übernehmen, davor weiss Peer sich stets zu drücken. Getrieben von seiner Gier nach Macht, Frauen und Reichtum, verlässt er seine grosse Liebe Solveig und stolpert von einem Abenteuer ins nächste, von einem Land ins andere. Auf der Suche nach sich selbst reist er um die Welt, wird Grosskapitalist, Reeder und Waffenhändler, versucht sich als Playboy und landet schliesslich im Irrenhaus. Doch gereift ist Peer damit weder intellektuell noch moralisch, er bleibt ein narzisstischer Egomane.

Alle Lebensphasen Peers bieten den theatralen Stoff, um Sucht nach Anerkennung, Erfolg und Selbstfindung eines modernen Menschen als grosse Kasperiade für Erwachsene zu erzählen.

Henrik Ibsen (1828-1906) war ein bedeutender norwegischer Dramatiker. «Peer Gynt» hat er 1867 geschrieben. Die Uraufführung fand 1876 im Christiana-Theater in Christiana (heute Oslo) zusammen mit der Musik von Edvard Griegs «Peer Gynt»-Suite statt.

Mit seinem sechsten Comedy-Zauber-Programm bringt Michel Gammenthaler gute Nachrichten: Frauen sind übersinnlicher als Männer, Aberglaube ist Ansichtssache und Drogenkonsum hat gewaltige Vorteile.

Michel Gammenthaler zeigt, wie sich mit ein, zwei Handgriffen eine eigene Realität basteln lässt, warum wir Kopfkino brauchen und was passiert, wenn wir zu viele Bücher gleichzeitig lesen. Er bezieht seine Zuschauer charmant ins Geschehen mit ein und spielt so nicht nur für sie, sondern auch mit ihnen. Und das so lange, bis sich alle absolut sicher sind, dass eigentlich gar nichts sicher ist.

«Hä ...?», die Reaktion auf verblüffende Tricks und schräge Gedanken des mehrfach ausgezeichneten Kabarettisten, der Einsteins Motto treu bleibt: so einfach wie möglich, aber nicht einfacher.

„Voices Of Africa“ ist ein junges Ensemble, das 2009 in den Townships von Port Elisabeth am Nelson Mandela Bay gegründet wurde. Die sechs jungen Künstler spiegeln die schillernde Vielfalt des kulturellen Schmelztiegels Südafrika und verbinden die reichen Harmonien der A-cappella-Chöre, wie sie von den Volksgruppen der Zulu und Xhosa gesungen werden, mit Tänzen alter Zeremonien. Sie mischen uralte spirituelle Traditionen und Volkslieder mit populären Message-Songs, in welchen ethische Werte vermittelt werden. So lebt die afrikanische Kultur weiter, in der seit jeher mit Gesang, Rhythmen und Tänze gebetet, frohe Botschaften verkündet und Hoffnung weitergegeben wurden.

An ihren Auftritten – ob in Theatern, an Festivals oder an der Fussball-WM 2010 in ihrem Heimatland – „Voices Of Africa“ begeistern! „Voices Of Africa“ bringen uns mit ihren Stimmen, ihrem reichen Gesang, vibrierenden Rhythmen, energiegeladenen Tänzen und den farbenprächtigen Kostümen einen herzerwärmenden Auftritt mit Seelennahrung in die kalte Jahreszeit.

Sänger*Innen - Nomandla Hallam, Ntombikayise Tapi, Siyabonga Zethu, Sonwabo Ndawuni, Ntlahla Nyiki, Lorna Ndyebi

«Ohne Ausnahme und Zweifel die beste» seiner bisherigen Opern sei es, schreibt Giuseppe Verdi nach der erfolgreichen Uraufführung 1845 in Mailand. «Giovanna d’Arco» war seine erste Schiller-Oper, der noch drei weitere folgen sollten. Das Schicksal der französischen Nationalheldin Jeanne d’Arc, die 1431 in Rouen auf dem Scheiterhaufen verbrannt wurde, vertont Verdi mit Arien, die gleichermassen ins Ohr wie ins Gemüt gehen. Dabei nimmt es seine Oper, genau wie Schillers Vorlage, mit den historischen Fakten nicht so genau: Der Liebe wegen scheitert Giovanna zunächst als Retterin des Vaterlandes; nur weil sie verzichtet und der Liebe entsagt, entkommt sie in letzter Minute dem Scheiterhaufen, zieht in die entscheidende Schlacht und besiegt das englische Heer. Dabei wird sie tödlich verwundet und stirbt.

Unter der Leitung von Manlio Benzi werden die armenische Sopranistin Astrik Khanamiryan in der Rolle der Giovanna, der aus «Iolanta» bekannte Tenor Irakli Murjikneli und der Bariton Michele Govi zu erleben sein.

Musikalische Leitung - Manlio Benzi
Inszenierung - Yves Lenoir

In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln.

José Luis Montón ist in der Welt des Flamenco ein grosser Name. Seine Musik ist geprägt durch seine ständige Bereitschaft, trotz der tiefen Verwurzelung in der Tradition des Flamenco, ständig nach Berührungspunkten mit anderen Disziplinen und Kulturen zu suchen.

“Der Flamenco ist für sich eine wirklich wunderbare Musik, und ich bin zutiefst dankbar für die Inspiration, die er mir in meiner ganzen Karriere beschert hat und bei meinen persönlichen Bemühungen, durch Musik zu mir selber zu finden.”

Auf seinem neusten Album "Solo Guitarra" (ECM) orientiert sich Montón an der Form, Energie und emotionalen Intensität des Flamenco. In dieser Formation hat sich Montón mit dem Bassisten Björn Meyer und dem Percussionisten Andi Pupato zusammen getan, mit denen er schon seit Jahren musiziert. Meyer, ein wahrer Poet am Bass ist seit Jahren dem Flamenco eng verbunden. Pupato ist ein über Stilgrenzen hinweg faszinierender Klang- und Groove-Magier. Die drei haben sich im Ensemble von Nina Corti kennengelernt und ihr Zusammenspiel in unterschiedlichsten Formationen verfeinert. Ihre internationale Zusammenarbeit ist u.a. auf Montón’s CD "Sin Querer" dokumentiert.

Mit den Musikern tritt auch die spanische Tänzerin und Sängerin Isabel Amaya auf, eine exzellente Performerin aus der andalusischen Küstenstadt Cádiz.

Nach einer längeren Pause hat sich Steff la Cheffe im letzten Frühjahr erfolgreich zurückgemeldet. Ihr viel-gelobtes und intimes Album «Härz Schritt Macherin» stieg auf Platz 1 der Schweizer Charts ein. Mit ihrem Album im Gepäck hat sie unzählige Konzerte gespielt. Im Februar 2019 ist Steff la Cheffe dafür mit einem Swiss Music Award ausgezeichnet worden.

Die Chefin kann auch leise! Steff la Cheffe im Trio? Ja, im Trio – und wie! Die grossen Bühnen hat sie in der Schweiz schon bespielt, nun steht sie bald auf den kleinen Brettern, die die Welt bedeuten. Die Lieder ihres aktuellen Albums «Härz Schritt Macherin» stehen im Zentrum: ungeschminkt, reduziert, einfach, roh und echt.

Steff la Cheffe hat sich zusammen mit Chrigel Bosshard (Perkussion, Bass, Synthies, Gesang) und Benjamin Noti (Gitarre) schonungslos mit der Einfachheit und Komplexität von Liebe auseinandergesetzt und die bereits bestehenden Songs neu arrangiert. Keine Ablenkung und der direkte Kontakt zum Publikum in unmittelbarer Nähe sind gesucht und ausdrücklich gewünscht.

Steff la Cheffe machte erstmals 2009 auf sich aufmerksam, als sie die m4music Demotape Clinic gewann und kurz darauf mit dem Harfenspieler Andreas Vollenweider auf Welttournee ging. 2010 erschien «Bittersüessi Pille», ihr erstes Album, das ihr 2011 einen Swiss Music Award als Best Talent einbrachte. 2013 doppelte sie mit «Vögu zum Geburtstag» nach, der Song «Ha ke Ahnig» wurde zum Sommerhit. 2018 tourt sie mit Stephan Eicher durch Frankreich und die Westschweiz. Zudem trat sie vergangenen Winter erstmals als Theaterautorin in Erscheinung, das Stück «Alice» wurde in Bern, Basel, Aarau und Zürich aufgeführt.

Martin O. – kein Engel, aber ein ganzer Chor – lässt Heerscharen von Stimmen und Klängen ertönen. Gemeinsam und im Wechselspiel mit Helge Heynold, dem stimmungsreichen Vorleser, wird ein himmelhochjauchzendes «Geschenkpäckli» geschnürt – prall gefüllt mit fein- und hintersinnig ausgeschmückten Weihnachtsgeschichten und vielstimmig-musikalischen Überraschungen.

Das Publikum erwartet eine wunderbare musikalisch-literarische Bescherung – feierlich und gemütlich, humor- und gefühlvoll, verspielt und erlesen. Es erlebt einen oh du sehr fröhlichen Abend, bei dem es Jung und Alt ganz warm ums Herz und um die Ohren wird. Heiliger Bimbam – das muss man gesehen und gehört haben!

Das Weihnachtsprogramm «Heiliger Bimbam!» ist eine Co-Produktion von Martin O. und Helge Heynold. Es wurde im Dezember 2018 uraufgeführt.

Rob Spence fegt in seinem neuen Programm «Mad Men» als Comedy-Hurrikan über die Bühne. Mit seinen Kapriolen wirbelt er die Welt durcheinander und reisst das Publikum von den Stühlen.

Diesmal noch rasanter, farbiger, bunter. Im Galopp von Komik,Gestik und Mimik jagt ein Gag den andern.  Totalbeschleunigt lässt der «Mad Man» die Fetzen fliegen: sei es als kleiner Feigling gedopt im Boxring, als golfspielender Rapper, durchgeknallter Mexikaner oder als Schweizer Kellner. Zwölf Männer und ein Drache im One-Man-Varieté.

Mit virtuoser Artistik, Clownereien und totalem Körpereinsatzgeht Rob Spence an sein Limit und an die Grenzen des Menschenmöglichen – bis zur Zauberei. Seine pantomimischen Standups und die Situationskomik in enger Tuchfühlung mit dem Publikum wirken absolut verblüffend und Zwerchfell erschütternd.

Geniessen Sie einen zum Brüllen komischen Abend in «Mad Men» mit Rob Spence, dem Meister der Physical Comedy. 

The Real Group hat in ihrem mehr als 35jährigen Bestehen nur mit der Stimme als Instrument und vorwiegend mit eigenen Songs eine musikalische Ausdrucksform zwischen Jazz, Pop und nordeuropäischer Chormusik geschaffen, die so individuell wie einzigartig ist. Atemberaubende Perfektion trifft auf eine sympathisch-schwedische, persönliche Note, die jeden Abend mit der Gruppe unvergesslich macht – gleichwohl für den für den Musikenthusiasten wie für höchst anspruchsvolle Ohren.

Viele bezeichnen The Real Group als den besten musikalischen Export Schwedens seit ABBA. Die fünf Sänger und Sängerinnen gründeten die A-cappella-Gruppe 1984 als sie alle Gesangsstudenten an der Royal Academy Of Music in Stockholm waren. Um eine Erweiterung des klassischen Repertoires zu erreichen, fingen sie an, skandinavische Volksmusik, Jazz-, Rock- und Pop-Songs für sich selbst zu arrangieren, um sich damit ein ganz eigenes musikalisches Profil zu geben.

Sie sangen für die königliche Familie in Schweden und den Kaiser von Japan, sie performten bei der Eröffnungsveranstaltung zur Fußballweltmeisterschaft in Süd-Korea, sie arbeiteten mit Symphonie-Orchestern, Jazzgruppen, Popbands und namhaften Künstler*innen.

Emma Nilsdotter - Sopran
Lisa Östergren - Alt
Anders Edenroth - Tenor
Morten Vinther - Bariton
Jānis Strazdiņš - Bass

«Sperrige Namen und kabarettistische Neuerfindungen brauchen Zeit, bis sie zur Marke werden. Das gilt auch für die hybride Vielfrauendarstellerin Margrit Bornet und ihre Figuren. Die Solokabarettistin ist die Entdeckung des diesjährigen Comedy-Ratings. Ihre Figur des Teenage-Girls Susi bringt die SMS-fixierte Sprachkultur einer ganzen Generation gnadenlos auf den Punkt. Und wird garantiert ins helvetische Witzfigurenkabinett eingehen, neben Legenden wie Viktor Giacobbos Harry Hasler.» SonntagsZeitung

Das neue Soloprogramm von Margrit Bornet vereint Komik, Slapstick und Schauspiel. Mit dabei Coiffeuse und Kommunikationsfachfrau Sandra, das Justin-Bieber-Groupie Susi, Schweizer Tourismusmarketing Koryphäe Madame-Balloni-Omi Fry und weitere Figuren.

In «Bornet Identity» soll das alltägliche und zunehmend komplizierter werdende Leben mit all seinen Tücken, ernsten und auch schwierigen Seiten auf humoristische Art und Weise dargestellt werden. Nur wenn man «über einer Sache steht» und das Leben nicht zu ernst nimmt, kann man neue Lösungsansätze finde und auch darüber lachen. Das Theater und die Bühne sind ein wunderbares Mittel dazu, um das Publikum nicht nur zu unterhalten, sondern auch neue Gedankenanstösse und Anregungen für das eigene Leben zu vermitteln. Die Komik sollte für mich im Zuschauer ein Gefühl auslösen, eine Veränderung bewirken und zum Nachdenken anregen. Bornets Show ist einzigartig, steckt voller erfrischenden Ideen!

Margrit Bornet wurde an der Desmond Jones School of Mime and Physical Theatre in London und an der Zirkusschule in Brüssel zur Schauspielerin und Komikerin ausgebildet.

Über Jahrzehnte haben sie ein Millionenpublikum zum Lachen gebracht: Willie Clark und Al Lewis, das legendäre Komikerpaar. Nun sind sie seit Jahren verfeindet und reden kein Wort mehr miteinander. Willie haust in einem miesen Quartier am Broadway und hält sich mit Teebeuteln und Dosensuppen über Wasser, die ihm sein Neffe Ben regelmässig vorbeibringt. Er wartet immer noch auf das nächste grosse Angebot. Über die vergeblichen Versuche, noch einmal ins Showgeschäft zu kommen, ist er zum zynischen Nörgler mit Tendenz zur Selbstüberhöhung geworden. Al hat sich mittlerweile von der Bühne verabschiedet und Willie ignoriert seit über zehn Jahren alle Anrufe und Briefe von ihm. Doch eines Tages platzt Ben mit einer Neuigkeit herein: Die Geschichte der amerikanischen Komödie soll fürs Fernsehen gedreht werden, und was wäre die amerikanische Komödie ohne Clark und Lewis, die Sonny Boys. Für einen einzigen Drehtag sollen sie einen ihrer berühmten Sketche noch einmal heraufholen. Beide entscheiden sich dann doch nochmal gemeinsam aufzutreten mit dem Vorbehalt «Ich mache es, aber ich bin dagegen». Ben muss grösste Diplomatenkunst einsetzen, um die beiden alternden Diven auch nur bis zum Auftritt zusammen zu halten. Doch die Wiederbegegnung gerät zum Desaster und die Bühne zum Schlachtfeld ihrer langjährigen Zerrüttung. Mit bissigem Humor versuchen sie einander blosszustellen und voneinander loszukommen, aber das Schicksal will sie nicht trennen…

«Sonny Boys» wurde von Neil Simon, Amerikas erfolgreichstem Broadway-Autor, geschrieben und 1972 unter dem Originaltitel «The Sunshine Boys» uraufgeführt

Simon Pearce - Schauspieler, Autor, Comedian und Kabarettist - ist ein Urbayer, auch wenn seine Hautfarbe dafür etwas zu dunkel ist. Als Sohn einer temperamentvollen Volksschauspielerin und eines Nigerianers wächst er in der bayerischen Provinz auf – in der Gemeinde beäugt und beobachtet. Die Metzgerin ist begeistert, dass der Vater <so gut Deutsch spricht>, und die Nachbarn zählen ihre Porzellansammlung nach, wenn Simon zum Spielen da war. Aber Simon entdeckt die Macht der Worte und begegnet Rassismus und Intoleranz mit Humor.

In seinem Programm <Allein unter Schwarzen> erzählt Simon Pearce mit viel Witz und Ironie wie es ist, als Schwarzer mitten im tiefsten Bayern aufzuwachsen und zu leben. Immer wieder macht er skurrile und schräge Begegnungen, hat es mit offenem oder verstecktem Rassismus zu tun, dann wieder mit übertriebener political correctness. Er dankt den Bayern jeden Tag dafür, dass sie ihm so viel Stoff für sein Comedy-Programm liefern. In diesem findet sich Gesellschaftskritik üben, jedoch ohne erhobenen Zeigefinger, sondern augenzwinkernd wie auch Selbstironie. Das Publikum durchs Lachen zum Nachdenken zu bringen und mit Vorurteilen brechen, das ist Simon Pearces Ziel.

1986 als Duo gegründet, bald zum Quintett erweitert, Kolsimcha (<Kol> heisst Stimme, <Simcha> Freude) verbindet Klezmer-Musik mit verschiedensten Stilen und Einflüssen: mit Jazz, Elementen der abendländischen Klassik, Melodien aus dem Mittelmeerraum und Rhythmen aus dem Nahen Osten. Der einmalige Sound von Kolsimcha fesselt seit jeher das anspruchsvolle Publikum sowohl der New Yorker Carnegie Hall als auch der renommiertesten Jazz-, Klassik- und Weltmusikfestivals auf drei Kontinenten.

In seinen Konzerten schafft Kolsimcha mit seiner lebendigen Musiksprache, seiner stilistischen Offenheit und seiner mitreissenden Spielfreude und Virtuosität eine einzigartige Atmosphäre und hat Theater-, Tanz- und Filmproduktionen um eine neue, emotionale Dimension bereichert. Hochgelobt sind die Kollaborationen mit klassischen Orchestern wie dem Münchner Rundfunkorchester, der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen oder den Trondheim Strings. Im August 2013 nahm Kolsimcha im Abbey-Road-Studio London mit dem London Symphony Orchestra ein Album auf.

<Wer die höchste Stufe des Klarinettenhandwerks erleben will, der wird in der klassischen Musik zu den Geschwistern Meyer, im Jazz zu Rolf Kühn und Eddie Daniels und in der Klezmer-Musik zu Michael Heitzler pilgern. Michael Heitzler ist der beste Klezmer-Klarinettist weltweit, Giora Feidmann eingeschlossen.>
Frankfurter Allgemeine Zeitung

Michael Heitzler - Klarinette
Simon Girard - Posaune
Olivier Truan - Piano
Veit Hübner – Kontrabass
Christoph Staudenmann – Schlagzeug

Früher kämpfte sie gegen das Klimakterium, jetzt für ein besseres Klima: Im vierten Soloprogramm von Helga Schneider ist jede einzelne Pointe biozertifiziert und nachhaltig. Denn Helga Schneider geht auf grosse Entsorgungstour: Sie entrümpelt ihr Leben, putzt weg, entsorgt ihre Altlasten und poliert ihre Sonnenseiten. Unverfroren und erderwärmend erzählt Helga Schneider dreckige Geschichten für eine sauberere Welt. Alles voll bio? Logisch!

Jetzt hat es auch Helga erwischt: Sie will endlich ein besserer Mensch werden. Aber das ist gar nicht so einfach. Denn je tiefer sie in ihrer 30-jährigen Bühnengeschichte gräbt, desto mehr eigene Endsorgen und Altlaster kommen an die Oberfläche! Und so muss sich Helga plötzlich ganz neuen Fragen stellen. Ist das Loch in der Ozonschicht bedrohlicher als ein Loch in ihrem Kostüm? Braucht sie für einen kleineren ökologischen Fussabdruck nicht erst einmal neue Schuhe? Ist ein Langstreckenflug weniger schlimm, wenn sie im Flugzeug das Vegi-Menü bestellt? Verschmutzt sie die Weltmeere, wenn sie alte Gewohnheiten über Bord wirft? Und wie um Himmels Willen soll sie dereinst ihren eigenen Körper umweltgerecht entsorgen? Helga wühlt im Misthaufen ihrer eigenen Geschichte, entsorgt sämtliche Flaschen, die ihr in ihrem Leben je begegnet sind, und bekämpft Food Waste mit Fress-Attacken und Fast Fashion mit Shopping-Orgien. Die fundierte Umweltverträglichkeitsprüfung des Schneider'schen Lifestyles führt zu einem derart ernüchternden Resultat, dass Helga am Ende nur eines übrig bleibt: Bevor die Stimmung total kippt, kippt sie lieber noch ein Cüpli.

Manuel Stahlberger - Eigener Schatten – Vorpremiere Neues Programm
Er ist ein Leisetreter unter Lautsprechern, ein Meister des verspielt Absurden, ein präziser Beobachter helvetischer Befindlichkeit. Aber Manuel Stahlberger will mehr: die ganz grosse Show, den Ruhm! Für sein neues Programm wirft er den Bürostuhl aus dem Fenster und nimmt Anlauf zum Sprung über den eigenen Schatten mitten ins Rampenlicht. Dahin wo die grosse Geste regiert, wo getanzt wird und nicht nur mit dem Fuss gewippt. Soweit die Idee. Aber wie soll man plötzlich raus in die Arena, wenn man lieber in der Ecke steht? Kann man dem Schein trauen oder hat der Schatten nicht doch mehr zu erzählen? Ein Abend mit Liedern, Bildern und einem Versuch von Glamour.

Marco Tschirpke - Kalender, deine Tage sind gezählt!
Ein musikalisch-politisches Jahresendzeit-Programm
Es war einmal, vor vielen vielen Jahren, da arbeitete der Knecht Ruprecht tief unter Tage, im Christstollen. Dieser Stollen war immer mit Schnee bedeckt, einem Schnee, der auch im Sommer nicht abschmolz, dafür sorgten E 907 und E 943, seine zwei Kollegen aus dem Chemiekombinat. Anfang Oktober kam es im Stollen regelmäßig zu Erdrutschen aufgrund von Beben. Zumeist, weil einer Einsortiererin namens Olivia oder Jaqueline der Stollen aus der übermüdeten Hand geglitten war und nun wie ein Bob durch die Kaufhalle sauste. Alle Jahre wieder erscholl Knecht Ruprechts händeringender Ausruf "Mein lieber Stolli!" , woraufhin seine Freunde Ischias und Scheuermann auf ein Feierabendbier vorbeikamen ...  Wenn der Winter vorbeischneit an Mitteleuropa und unsereinem einfach keinen Schnee gönnen will, dann sind Humorfachkräfte gefragt, die hohe Kunst der Berieselung zu übernehmen!

Björn Meyer - Provenance
Der schwedische Meisterbassist Björn Meyer musizierte mit der persischen Harfenistin und Sängerin Asita Hamidi, ist langjähriger Begleiter des tunesischen Oud-Meisters Anouar Brahem. Seit mehr als zwanzig Jahren spielt er im Trio Bazar Blå mit dem Nyckelharpa Spieler Johan Hedin und dem Perkussionisten Fredrik Gille. Zusammen haben sie massgeblich dazu beigetragen, den Klang der zeitgenössischen schwedischen Volksmusik weiter zu entwickeln. Über ein Jahrzehnt lang war er auch Mitglied des Groove-Kollektivs von Nik Bärtsch’s RONIN und hat den Begriff “Zen-Funk” von Anfang an mitgeprägt. Er ist Gastdozent an den Konservatorien in Stockholm, Zürich, Bern, Luzern und Lausanne.

Mich Gerber & Andi Pupato - Shoreline
„Shoreline“ ist im Grossen ein einziger Grundton, der sich über die ganze Albumlänge entfaltet und verästelt und wieder in die Grundschwingung eingeht. Im Kleinen schälen sich daraus die einzelnen Tracks hervor, mit ihren klanglichen und dynamischen Besonderheiten. Mich Gerber nutzt die gesamte Range an Tönen die der Kontrabass zu bieten hat und arbeitet sich langsam von groovigen Baselines über gestrichenen Melodien zu vielschichtigen Harmonien hin. Mit seinen Spieltechniken, Obertönen und dem Live Sampling-System kreiert Mich Gerber orchestral anmutende Klangarchitekturen.

Perfekt ergänzt von Weltklasse-Perkussionist Andi Pupato. Rhythmischen Riffs und perkussive Interventionen, legen einen fasrigen Teppich aus Pulsen und Geräuschen. Die Musik der Beiden macht Mut, wieder ursprünglicher zu werden. Die grossen Linien nicht aus den Augen zu verlieren. Den elementaren Gefühlen zu vertrauen. Die Weite zu spüren, das Vertrauen zum Unbekannten, jenseits des Horizonts.

Olli & Claire spielen Antigone. Fast.

Mademoiselle Olli aus Ost-Paris und Claire aus Berlin in ihrem neusten KlavierAkrobatikLiederKabarett – ohne Akrobatik, dafür mit Sophokles.

Die zwei kecken Damen von Luna-tic wirbeln durch ihren Proberaum, erweitern ihren Bühnenrandhorizont und proben was das Zeug hält für die bekannte griechische Tragödie mit einer wahren Heldin namens Antigone. Die Lieder werden griechisch, das Klavier zur Antiquität, Olli spielt die Hauptrolle und Claire kümmert sich um den Rest. Der Blick hinter die Kulissen zweier Heldinnen der besonderen Art: urkomisch, voller Temperament und furchtbar tragisch...

Klavier, Stimme, Komik und Tragik - Judith Bach und Stéfanie Lang
Regie - Federico Dimitri

Als «Schwarze Operette» oder als einen «Film für die Bühne» bezeichnete der Komponist Stephen Sondheim seinen makabren Musical-Thriller, der mit acht Tony Awards ausgezeichnet worden war und längst Kultstatus erreicht hat. Schauplatz der blutrünstigen Geschichte ist das viktorianische London. Der Barbier Benjamin Barker kehrt nach 15 Jahren aus einer australischen Strafkolonie zurück. Ein korrupter Richter hatte den Unschuldigen damals verurteilt, um ihm seine Frau und sein Kind zu nehmen. Unter dem Namen Sweeney Todd rächt sich Barker nun an seinen Mitmenschen. Mit dem Rasiermesser schneidet er seinen Kunden die Kehle durch und überlässt die Leichen seiner Wirtin Mrs. Lovett, die daraus köstliche und heiss begehrte Fleischpasteten fabriziert.

Für die Regie kehrt Olivier Tambosi ans TOBS zurück und mit ihm sein Team der «Lustigen Witwe» Christian Manuel Oliveira als mörderischer Sweeney und Christiane Boesiger als Pastetenbäckerin Mrs. Lovett. Die musikalische Leitung wird der musicalerfahrene Iwan Wassilevski übernehmen.

Musikalische Leitung: Iwan Wassilevski
Inszenierung und Bühnenbild: Olivier Tambosi

In englischer Sprache mit deutschen Übertiteln.

Für ihre Fans ist die Echse längst ein Guru. Das Reptil voll Erfahrungen, Geschichten und Weisheit legt uns die Karten auf den Tisch. Vollständig erleuchtet und bestens ins Licht gerückt durch den mehrfach ausgezeichneten Puppenspieler Michael Hatzius, der gekonnt in der Aura des großmäuligen Reptils zu verschwinden scheint. Wer führt wen und was hält die Welt im Innersten zusammen? Kann ein Huhn spirituelle Erfahrungen machen? Wie mobben sich Schweine? Was sucht ein Kamel auf dem Halm einer Zecke? Das sind nur einige Fragen aus einem tierischen Kosmos, der unserem gar nicht so unähnlich scheint. Das Publikum ist eingeladen zu einer humorvollen Audienz mit offenem Herzen und großer Klappe, bei der gern auch der Zuschauer selbst im Mittelpunkt der Betrachtung steht. Man darf sich also auch wieder auf echsquisite Improvisationen freuen!

Intelligent, originell, mit lakonischem Humor und einem guten Schuss Sarkasmus sinniert das dickbäuchige Reptil über Gott und die Welt. Wie ein Solo fühlt sich dieser Abend nicht an. Der Puppenspieler Hatzius hat einen ganzen Reigen schräger Figuren mitgebracht. Da ist die Zecke, die sich mit dem Märchenprinzen zofft, das Karnickel, das von der Karotte schikaniert wird, oder das Huhn, das per Beckenbodengymnastik seine Legehemmung zu überwinden trachtet. Hatzius fügt der Puppenspielszene eine grossartige Facette hinzu. Im Grunde ist der Berliner der Kabarettist unter den Puppencomedians. Zwar hütet er sich, vordergründig und platt politisch zu sein, aber es schwingt vieles mit. Hatzius ist einzig in der Branche. Nur ein Wesen kann ihn in den Schatten stellen: die Echse.

mit Frölein da Capo, Adrian Stern, Roman Riklin, Daniel Schaub und Beiträgen von FM François Mürner

1967 veröffentlichten die Beatles das Konzept-Album SGT. PEPPER'S LONELY HEARTS CLUB BAND. Das psychedelische Werk lieferte den perfekten Soundtrack für den Summer of Love und gilt bis heute als künstlerischer wie kommerzieller Meilenstein der Popmusik-Geschichte. Das Rolling Stone Magazin bezeichnet die Platte gar als «Bestes Album aller Zeiten».

2017 haben sich die Liedermacher Roman Riklin & Daniel Schaub (von Heinz de Specht) unter dem Namen Secondhand Orchestra mit Adrian Stern, Frölein Da Capo und der Radiolegende FM Francois Mürner zu einer illustren Truppe formiert, die pünktlich zum 50jährigen Jubiläum das legendäre Beatles-Werk in neuem Gewand präsentiert.

Die hochgelobte Formation zeigt einen Abend, der sämtliche Songs von SGT. PEPPER mit schweizerdeutschen Texten in überraschenden Arrangements neu aufleben lässt. Dabei verweben die vier Live-Musiker Beatles-Gassenhauer wie «With a Little Help From My Friends» und «Lucy In The Sky With Diamonds» oder Songperlen wie «A Day In The Life» gekonnt mit eigenen, neuen Liedern und Beiträgen, welche in losem, assoziativem Zusammenhang zum Originalmaterial stehen. Dem Beatles-Zeitzeugen(!) FM François Mürner kommt die Rolle des über Leinwand anwesenden Chronisten zu, der es in seinen audiovisuellen Beiträgen mit der Wahrheit allerdings nicht immer ganz genau nimmt.

Die unterhaltsame Hommage an die unsterbliche Platte nimmt das Publikum mit auf eine Reise quer durch die Song-Klassiker und ermöglicht neue Perspektiven auf das bekannte Album: SGT. PEPPER inspiriert noch wie vor 50 Jahren.

Eine simple Idee –  genial umgesetzt: Sprechen heisst bei OHNE ROLF Blättern. Die auf 1000 Plakate gedruckten knappen Sätze wie auch das überraschende Geschehen zwischen den Zeilen sind umwerfend witzig, spannend und gelegentlich sogar musikalisch.

Zwei Blattländer machen sich auf, sprechen zu lernen. Zwar stossen sie schnell auf Zeitgenossen die der Sprache auch mündlich mächtig sind, jedoch erweist sich das Erlernen schwieriger als erhofft. In dem abendfüllenden Stück Blattrand halten uns Ohne Rolf den Spiegel unserer Kommunikationskultur vor Augen, was mitunter leichtfüssig, absurd, nachdenklich oder auch tiefsinnig ist. Beste Unterhaltung für alle Sinne!

"Das Publikum im Pantheon-Theater erlebte die originellste, sympathischste und abgedrehteste Mischung aus absurdem Theater und philosophischem Kabarett, die zur Zeit auf deutschen Kleinkunstbühnen zu sehen ist.” Bonner Rundschau

Konzept & Spiel: Jonas Anderhub und Christof Wolfisberg

Seien Sie dabei, wenn die Schweiz ihre Königinnen und Könige der Bühne in der Königsdisziplin Kleinkunst wählt!

Wieder heisst es für ein Wochenende in Burgdorf: Demokratie ade, es lebe die Monarchie! Sechzehn nationale und internationale Neuentdeckungen stellen sich der Wahl um die begehrten Adelstitel. Wählen Sie Ihren Hofnarren, Ritter, Ihre Prinzessin, Herzogin, Ihren Barden, Scharfrichter, das Burgfräulein, die Gräfin und natürlich Ihre Königin oder Ihren König der Kleinkunst. 

Freuen Sie sich auf ein Wochenende voll Humor, Tiefsinn und intelligenten Schwachsinn. Und auf unsere Moderation die königlicher nicht sein könnt, denn moderiert wird die vierzehnte Krönung am Freitag vom Theaterkabarett-Duo Strohmann-Kauz und am Samstag von der grossartigen Liedermacherin und Satirikerin Uta Köbernick.

Strohmann-Kauz
Der Lebensfrohe Ruedi und griessgrämige Heinz geben ein grossartiges Bühnenpaar. Zusammen sind sie Strohmann-Kauz das aufmüpfige Rentnerduo. Die beiden geniessen eine schier grenzenlose Narrenfreiheit. Schlagfertig und kritisch ergänzen und begleiten sie sich Satz um Satz. Seit 2006 sind die beiden Schweizer Künstler Rhaban Straumann und Matthias Kunz als Strohmann-Kauz unterwegs. Ihr Schaffen bewegt sich zwischen Schauspiel und Satire, sie nennen es Theaterkabarett und haben mit diesem Theaterkabarett schon unzählige Preise gewonnen.

55 Jahre Rattlesnakes - Grund genug, das entsprechend zu feiern – mit einer Zeitreise durch die Geschichte der Rock-Musik. Spannend – abwechslungsreich – ein Muss und Genuss für jeden, der die klassische Rock-Musik liebt - mit dem legendären, ästhetischen und symphonischen Snakes-Sound.

Eine musikalisch rockige Reise durch 5 Jahrzehnte – wiederum mit „Special Guests“!    Die Band versprüht nach wie vor grosse Spielfreude und Enthusiasmus. Ein toller Abend ist garantiert!

Jüsche Blaser          Gitarre, Tasteninstrumente, Bass, Gesang
Küre Hilfiker            Tasteninstrumente
Andi Leu                 Schlagzeug
Tinu Mäder              Gitarre, Gesang
Dänu Ruch              Bass, Flöte, Gitarre, Gesang
Hannes Schläfli        Gesang

Judith folgt Blaubart in seine dunkle Burg. Im Glauben, diese mit ihrer Liebe zu erhellen, bringt sie ihn dazu, ihr nach und nach alle verborgenen Räume aufzusperren und entdeckt die Folterkammer, die Waffenkammer, den Zaubergarten, die Schatzkammer und das Land. Die Burg ist nun hell, doch hinter allen Türen ist auch Blut. Vergeblich warnt Blaubart Judith vor den letzten beiden Türen. So findet sie den Tränensee und hinter der letzten Tür Blaubarts frühere Frauen, in ewiger Schönheit erstarrt. Auch Judith wird nun eine von ihnen, die Türen schliessen sich wieder und Blaubart bleibt einsam in seiner dunklen Burg zurück.

«Herzog Blaubarts Burg», Béla Bartóks einzige Oper, ist reich an tiefgründiger Symbolik. 1918 in Budapest uraufgeführt, gilt das «Mysterium in einem Akt» als das intensivste und zugleich desillusionierendste Beziehungsdrama der gesamten Opernliteratur. Der Komponist Eberhard Kloke hat eine neue, für kleinere Theater reduzierte Orchester-Fassung erstellt.

Musikalische Leitung - Kaspar Zehnder
Inszenierung - Dieter Kaegi

In ungarischer Sprache mit deutschen Übertiteln.

Er ist ein musikalisches und sprachliches Chamäleon. Er kennt trotz adligem Namen keine Standesdünkel, verblüfft und reüssiert immer wieder mit Projekten in den unterschiedlichsten Stilrichtungen. Deshalb erstaunt es nicht, dass Michael von der Heide für sein neues dreisprachiges Album (erschienen im Herbst 2019) eine Schar exzellenter Jazzmusiker um sich versammelt hat.

Unter der Ägide von Erfolgsproduzent Thomas Fessler der bereits für Michaels Debütalbum sowie für „30 Grad“, „Lido“ und Teile von „Paola“ verantwortlich zeichnete, entstand ein Album, das durch den Sound von Jazz-Stars wie Diana Krall und Jamie Cullum beeinflusst ist und flink zwischen Chanson, Jazz und Pop oszilliert.

Die neuen Lieder bestechen durch eingängige Melodien, entspannte Grooves und poetischen, mit Widerhaken versetzten, zuweilen frechen und humorvollen Texten. Es geht um das Leben und die Liebe, das Kommen, Bleiben und Gehen. Darum, wie Träume mit dem Wind davonziehen, bittere Tränen sintflutartig die Welt bedecken und in einem eiskalten Sommer sowohl das Wetter als auch die Gefühle verrückt spielen.

Die volle Pracht entfalten Michael von der Heides Lieder jedoch auf der Konzertbühne. Ihr gilt immer noch seine grösste Leidenschaft und dort brilliert er nicht nur als begnadeter Sänger, sondern ebenfalls als spitzbübischer und scharfzüngiger Conférencier. Neben den Songs des neuen Albums bekommen im Programm natürlich auch die Klassiker ihren verdienten Platz: So wird der„Jeudi Amour“ besungen sowie die Welt „Hinderem Berg“ und jenseits des Walensees erkundet, bevor es zum Abschluss fürs Publikum Gold regnet.

Romeo und Julia – das wohl bekannteste Liebespaar der Weltliteratur – ist die Geschichte von «star-crossed lovers», deren Schicksal bereits bei ihrem Kennenlernen besiegelt ist. Schauplatz der Tragödie ist Verona. Romeo, Mitglied der Montague Familie, mischt sich mit seinen beiden Freunden Mercutio und Benvolio verkleidet auf den Maskenball der Familie Capulet. Dort trifft Romeo auf Julia. Ein Blick genügt und sie verlieben sich.

Doch der Umstand ihrer unterschiedlichen Familienzugehörigkeit macht ihre Liebe unmöglich. Zwischen den Montagues und Capulets herrscht eine lange Fehde, die bisher von niemandem geschlichtet werden konnte.

Aber die Gefühle von Romeo und Julia werden durch die vermeintliche Chancenlosigkeit nur noch weiter beflügelt. Trotz aller Mahnungen und Hindernisse, entscheiden sie sich für einander und so nimmt das Schicksal seinen Lauf. Es folgt eine heimliche Hochzeit durch Pater Lorenzo, der dadurch die Familienfehde beenden möchte. Doch dann rächt Romeo den Tod seines Freundes Mercutio und tötet Tybalt, den Vetter Julias, und wird aus Verona verbannt. Mit der Hilfe von Pater Lorenzo planen sie gemeinsam zu fliehen. Doch aufgrund von Missverständnissen missglückt der Plan und endet im Selbstmord der Liebenden.

Aufgrund ihrer Bereitschaft für einander zu sterben, repräsentieren Romeo und Julia bis heute das Ideal der romantischen Liebe. William Shakespeare schrieb «Romeo und Julia» vermutlich zwischen 1594 und 1596. Die Geschichte der verbotenen Liebe zwischen zwei jungen Menschen mit tödlichem Ende wurde sofort zum Erfolg und verbreitete sich durch ganz Europa. Seit seiner Entstehung geniesst das Werk grosse Beliebtheit. Die Geschichte wurde in vielen Varianten literarisch, musikalisch und filmisch verarbeitet.

Seit 25 Jahren steht Rolf Schmid auf der Bühne liefert nun sein zehntes Soloprogramm ab: Das isch s’Zehni! Es gibt sogar Branchenkenner, die von einem Schweizer-Rekord sprechen! Rolf, ganz der Alte, wartet diesmal mit ein paar ganz neuen Akzenten auf. Dafür sorgt nicht zuletzt die bekannte Schauspielerin und Regisseurin Bettina Dieterle, die das Team ergänzt, Regie führt und No10 fulminant in Szene setzt.

No10 ist einerseits Rolf’s klassisches Nummernkabarett, dazu kommt eine Prise Standup-Comedy und viele Geschichten und Anekdoten aus dem Leben des schrägen Bündners. Ausserdem gibt es ein – von vielen Fans bereits heiss erwartetes – Wiedersehen mit bekannten Kult-Figuren: Der Töffahrer Willy (nochama Wiili will dr Willi nomol a Wiili) findet sein Hirn in der Pathologie wieder und begegnet dem Bestatter, der schüüche und verpeilte Eisenwarenhändler Bruno behandelt seine Jodelallergie mit einer Jodeltinktur und ein Pfarrer hält eine Predigt, bei der kein Auge trocken bleibt. Rolf Schmid, das sind auch bei No10 Gedankenspielereien, Witze und Wortspiele im Graubereich zwischen Nonsens und Genialität und natürlich toll in Szene gesetzte Figuren. Oder kurz und bündig: Die unbändige Spielfreude mit der Rolf Schmid nach einem Vierteljahrhundert die Bühne rockt, macht einfach Spass. Fazit: No10 – Das isch s’Zehni!

Der Gitarrist Max Lässer spielt den Soundtrack zu Pedro Lenz’ Geschichten vom Lebensgefühl im Mittelland. Sobald Lässer die Palette seiner Saiteninstrumente zum Klingen bringt, erhalten die Texte von Lenz eine neue Bedeutung. Bald erzählen die Instrumente eine Geschichte zur Musik der Worte, bald ist es umgekehrt.

Lässer und Lenz reisen seit vielen Jahren mit ihren Programmen durchs Land. Dabei haben sie sich immer wieder gegenseitig gehört, gelesen und geschätzt. Nun fanden sie, es sei an der Zeit, ein gemeinsames Programm zu erarbeiten. Was dabei herausgekommen ist, schwankt zwischen Melancholie und Heiterkeit, zwischen Tiefsinn und Blödsinn.

von Florian Zeller

Die Theatergruppe hat Ihnen in den vergangenen Spielzeiten mit «Zeitzünder» Schweres, mit «Zurück auf Wolke 4» Poetisches und mit «Die Affäre Rue de Lourcine» ein leichtes Kriminalstück mit Musik gezeigt. Sie wird in dieser Saison mit «Vater» eine Tragikomödie höchst aktuellen Inhalts zur Aufführung bringen.

Florian Zeller wurde 1979 in Paris geboren. Er ist ein Romancier und Dramatiker, sicher einer der begabtesten zeitgenössischen Autoren Frankreichs, und Autor unseres aufwühlenden Stücks. Dieses handelt von einem an Alzheimer erkrankten alten Mann. Sein Alltag wird zunehmend zum Labyrinth, die Welt um ihn verändert sich unbegreifbar und erlischt nach und nach.

Der Zuschauer teilt mit der Hauptperson Momente des Glücks, der Trauer und des Ausgeliefertseins. Der Autor gewinnt das Publikum zum „Lächeln mit Tiefgang“.

Das Stück wurde 2014 mit dem „Prix Molière“ ausgezeichnet, der höchsten Auszeichnung, die ein Autor in Frankreich erhalten kann.

Spielerinnen und Spieler:
Annina Brodbeck, Hansjürg Brodbeck, Hermann Grobbauer, Toni Kunz, Jana Hess, Sabine Siegenthaler

Regie: Daniel Nobs

Eine brandneue Barockoper von Antonio Vivaldi! TOBS bringt in Kooperation mit der niederländischen Gruppe OPERA2DAY die «Gefährlichen Liebschaften», ein zentrales Werk der französischen Literatur des 18. Jahrhunderts auf die Opernbühne. Die schönsten Arien Vivaldis wurden dafür mit einem neuen Libretto unterlegt und mit neu komponierten Rezitativen verbunden.

Die Marquise de Merteuil und Vicomte de Valmont spielen ein gefährliches Spiel mit der Liebe: Die früheren Liebenden fühlen sich nicht an geltende moralische und sexuelle Normen gebunden, und betreiben die kalkulierte erotische Verführung ihrer Opfer als Teil eines komplexen Netzes von Intrigen. Choderlos de Laclos zeigt in seinem 1782 veröffentlichten Briefroman «Gefährliche Liebschaften» die Verdorbenheit der französischen Aristokratie am Vorabend der Revolution und fasziniert dabei durch raffiniert-maliziöse Einfälle und den geschickten Wechsel der Perspektiven. Zusammen mit dem sängerischen und instrumentalen Feuerwerk von Vivaldis Musik darf man sich auf ein ganz besonderes Opernerlebnis freuen.

TOBS in Koproduktion mit OPERA2DAY
Musikalische Leitung - Facundo Agudin
Inszenierung - Serge van Veggel

In italienischer Sprache mit deutschen Übertiteln.

Ein ganz normaler Kabarettabend. Nur dass diesmal einer stumm auf der Bühne liegt. In seinem einundzwanzigsten Solostück schafft Joachim Rittmeyer das Kunststück, einer neuen Figur die Bühne zu überlassen, die mit minimalsten Mitteln einen Sog erzeugt. Doch dies hindert den Brüter Brauchle, den Freigeist Metzler, den Slaven Jovan sowie die Saftwurzel und Regionaldichter Leupi nicht daran, sich auszubreiten - im Gegenteil! Sie finden reichlich Stoff, um sich über die Abgründe des Alltäglichen hinweg zu balancieren, die Hohlräume des Alltäglichen aufzudecken und zu veredeln, wie wenn dies das Selbstverständlichste wäre.

Darf ein Manager zur Arbeit mal seinen Hund mitbringen, oder ein Zahnarzt? Auch nicht, wenn der ganz brav ist und schläft? Wird kaum gebilligt. Aber das Publikum duldet es, wenn Joachim Rittmeyer für einmal jemanden mitbringt, der ganz still ist und schläft. So in seinem neuen Kabarettabend, der ein starkes Stück ist und seinen Nischenfiguren die erneute (vielleicht letzte?) Gelegenheit gibt, sich zu entfalten.

Christof Wolfisberg ist die eine Hälfte von OHNE ROLF. Sein erstes Soloprogramm ist ein amüsanter Gedankentrip übers Abschweifen. Dieser zeigt, wie mächtig Worte werden. Wie spielerisch klug man mit dem Wortzwang – und hier gibt's bei allen Unterschieden einige Parallelen zu Ohne Rolf – umgehen kann.

In den bisher vier stummen Plakatstücken von Ohne Rolf blieb dem Publikum verborgen, was für ein toller Sprecher und Vorleser Wolfisberg ist. «Abschweifer» ist nicht nur klug verdreht und bis ins Detail ausgetüftelt, sondern urkomisch: Es gibt unter anderem Slapstick-Einlagen und eine Zauberer-Nummer - «Meta-Pokus-Theater» vom Feinsten.

Auf einmal müssen alle im Theater höllisch aufpassen, was sie denken. Wolfisberg liest ein Skript vor, in dem er beschreibt, was ihm für Schabernack durch den Kopf geht, während er vorliest. Darin steht aber auch, was das Publikum überlegt, während es Wolfisberg zuhört. Flugs kollidiert Wolfisbergs Vorstellung mit der Realität. «Abschweifer» ist ein geschickt konstruiertes Tohuwabohu über bizarre Gedanken mit viel herrlichem Nonsens.

Text und Spiel: Christof Wolfisberg
Regie: Dominique Müller    

Die herz- und kopfzerreissende Blaskapelle, die jede Bigband an die Wand spielt und jede Dorfmusik zwischen iberischer Halbinsel und Kleinasien zu motivieren vermag. Hochgeschwindigkeits-Discogrooves, fanfariger Sirenenturbo, blutunterlaufene Herzschmerzballaden, himmelhoch-jauchzende Heimwehmelodien, stets rumplig und brandgefährlich! Die zeitgemässe Interpretation des Genres kommt bei den Livekonzerten voll zum Tragen. Für die Einen gipfelt die Darbietung im Tanzrausch, für die Andern auch. Traktorkestar verbindet nicht nur eigene Musik mit jener des Balkans, sondern schlägt auch Brücken zwischen Stadt und Land, zwischen Tradition und Moderne, sprich: zwischen Traktor und Orchester!

Balthasar Streit - Trompete
Charley Wagner - Trompete
Sam Würgler - Trompete
Simeon Schwab - Alto Saxophon
Thierry Lüthy - Tenor Saxophon
Stefan Hodel - Posaune, Tenorhorn
Maro Widmer - Posaune, Tenorhorn
Matthias Baumann - Posaune, Tenorhorn
Juerg Lerch - Helikon
Fabian Hänni - Perkussion
Samuel Zingg - Snare
Philippe Ducommun - Basstrommel

Eine Ode an die Vielfalt welche Madâme Dodo Hug in ihrem neuen Bühnenprogramm aufs Schönste zelebriert. Ihr «cosmos» sind die Sprachen, ihre Stadt «Polis» - sie ist ohne Mauern, nach allen Seiten hin offen, grenzenlos und ohne Schutzwall. Kein Gefälle, weder ein politisches noch ein musikalisches. Alles wird von ihr thematisiert, alles ist möglich. Differenziert, auch im kleinsten Detail. Ganz eigenständig und engagiert setzt sie sich mit Leichtigkeit auch über musikalische Grenzen hinweg, vom Singer-Songwriter Genre über Chanson und Blues bis hin zu Global-Folk und dies von Herzen, echt mit Humor und Tiefgang. Carpe diem mit madâme la cosmopolitana!

Dodo Hug - Gesang, Gitarren, Cuatro, Perkussion
Efisio Contini - Gesang, Gitarren
Yvonne Baumer - Chorgesang, Perkussion
Stefano Neri -  Bass

„Wenn jemand eine Reise tut, so kann er was erzählen“ schrieb Matthias Claudius. Dass der Mann recht hat, wissen nun auch die beiden vom Duo «Les trois Suisses». Denn jetzt sind sie zurück. Beide. Der Resli und der Pascal. Zurück von so einer Reise. Besser: von zwei Reisen. Und sie müssen einander erzählen, wo sie waren. Und wo nicht. Und was sie dort gegessen, gehört und gesehen haben. Und wie sie schliefen und fuhren und wanderten und tauchten - und dann das Wetter! Dieses Wetter!

In ihrem neuen musikalischen Comedy-Abend wird geschwatzt, persifliert, gesungen und gewitzelt, dass sich die Balken biegen. Und man sofort eine Reise buchen möchte. Doch zuvor lauscht man fasziniert den musikalischen Mitbringseln, die die beiden Reisenden -versiert, launig und mit viel Spass - zum Besten geben.

Landstreichmusik - Asphalt
Die Landstrasse mündet ein in die Zürcher Langstrasse. Zu Schwyzerörgeli und Geigen gesellen sich E-Gitarre und Drum-Machine. Zwischen Polka und Jodel macht sich Sprechgesang breit. Zwischen Ackerland, urbanem Alltagsgetöse und virtuellen Welten, erklingen knorrige „Asphaltländler“, am Rande von Verkehrsadern spriessen Blüten in Form von eigensinnigen Liedern. All das und vieles mehr ist die Landstreichmusik!
Nach ihrer neo-traditionellen CD „Altfrentsch unterwegs“ präsentieren die „Landstreicher“ auf dem neuen Album «Asphalt» vom Minimalismus der 80er geprägte Folk-Pop-Songs, eingebettet in experimentelle Soundscapes – eine moderne Form von Stubenmusik - traditionelle Schweizer Volksmusik mit neuen, frischen Akzenten.

Hujässler - Treibhaus Innerschweiz
Hujässler sind zweifelsohne seit Jahren die einflussreichste Formation der instrumentellen Volksmusik der Schweiz. Als Ländlerkapelle sind sie zum Aushängeschild einer innovativen Volksmusik geworden. Für sie ist Tradition ein respektierter und wertvoller Fundus. Sie waren ab 1998 die eigentlichen Wegweiser dafür, dass sich die traditionelle Ländlermusik einem Wandel unterzog und über die Szene hinaus in breiten Kreisen Akzeptanz fand. Das Quartett hat eine sich seit Heirassa-Zeiten kaum bewegte Ländlermusik mit ihren Eigenkompositionen aufgebrochen und verändert und brilliert mit einem eigenen Stil – welcher die traditionelle Ländlermusik harmonisch und rhythmisch erweitert. Oh ja, die Hujässler grooven unglaublich!
Neben der Produktion von CDs mit meist eigener Hujässler-Musik haben die Vier immer wieder Alben mit guter alter Ländlermusik veröffentlicht.

Die Berner Band Soul & R&B-Band Soultrain spielte landauf, landab vor begeistertem Publikum, das zu den funky beats, den kernigen Bläsersätzen, den träfen Gitarren- und Keyboard-Licks und dem souligen Gesang ausgelassen tanzte und feierte. Es folgte ein langer, 15-jähriger Dornröschenschlaf. Im Sommer 2017 wurde die Truppe wachgeküsst und spielt seither wieder als wäre die Zeit stillgestanden: Soul, diese unsterbliche, berührende und bewegende Musikrichtung, die auf der ganzen Welt ihre Wiederauferstehung erlebt, genau wie Soultrain.

In der 10köpfige Band spielen Musiker aus Bands von: Patent Ochsner, Picason, Les trois Suisses, Swiss Jazz Orchestra, Lo & Leduc, Pepe Lienhard Band, Span, Philipp Fankhauser, Yvonne Moore, Chica Torpedo, Magic 5, Klapparat, Funky Brother Hood, Famara, Nilsa, Jasata, No No Diet Bang, Jefaster Desaster, Fingerprints, Big Band Salsa Symphonique, Simon Ho.

Pascal Dussex – Gesang, Mundharmonika
Erwin Brünisholz – Bariton Saxophon
Dave Blaser – Trompete
Lukas Kohler – Trompete
Beat Wenger – Alto Saxophon
Ivo Prato – Tenor Saxophon
Rolf Mosele – Gitarre
Stefan W. Müller – Piano, Orgel
Joel Kaiser – Bass
Andi Hug – Schlagzeug, Perkussion

Nach ihrem tragischen Unfall beim Sturz aus der Zirkuskuppel melden sich die beiden Cellisten des DuoCalva aus ihrem neuen Wohnort zurück. Mit je zwei Flügeln auf dem Rücken hat sich ihre musikalische Spannweite sehr erweitert, und so bieten sie ihrem auf der Erde klagend zurückgebliebenen Publikum auch in ihrem neuen Programm ein himmlisches Vergnügen.

Seit über 20 Jahren spielen die beiden Cellisten Alain Schudel und Daniel Schaerer gemeinsam vorwiegend Musik toter Komponisten. Ihre Überzeugung, dass man deren unsterblichen Werke heute wieder lebendig machen und auf unterhaltsame Weise präsentieren kann, führte die beiden in das von ihnen geschaffene Genre „Cello-Comedy“.

Das neue Programm bietet für die humorvolle Musikvermittlung eine ideale Ausgangsposition: Im Himmel kann man den grossen musikalischen Vorbildern endlich näher kommen und sie persönlich kennen lernen. Mozart, Händel und Beethoven sind dabei, aber auch Scott Joplin, George Gershwin oder Manuel de Falla. Da der Himmel ja bekanntlich voller Geigen hängt, darf auch Paganini nicht fehlen, der sich allerdings auf dem Highway to Hell zu verspielen droht. Paradiesisch klingt ein Stück von Maria Theresia von Paradis, verlockend sind aber auch die himmlischen Köstlichkeiten, die der Starkoch Rossini für das DuoCalva zubereitet.

Alain Schudel & Daniel Schaerer - Cello
Dominique Müller - Regie
Charles Lewinsky - Dramaturgie
Marek Beles - Videos

In ihrem sechsten Einfrauprogramm streift Esther Hasler neugierig und lustvoll durch die Niederungen der condition humaine und findet partout keinen Grund zum Verzweifeln. Am Ende des Tunnels warten nämlich wunderbare «Lichtjahre». Hauptsache, man kämpft allzeit tapfer gegen schwarze Löcher und bleibt in der Bio-Blumenerde verwurzelt.

Lassen sie sich in den Orbit schiessen, wo sie ESTHER-terrestrische Unterhaltung erwartet: ein kosmisch-komischer Funkenregen, eine satirische Supernova, eine erfrischende Sternschnuppendusche. Die unglaubliche Leichtigkeit der Schwerelosigkeit.

Bei Esther Hasler biegen sich nicht die Balken, sondern der Raum. Völlig losgelöst brilliert sie im Sauseschritt mit geistreichen Texten, subtiler Mimik und grossartigem Schauspiel. Sie verblüfft mit stimmlichen Nuancen, virtuoser- Tastenarbeit und erdigem Groove.

Ein Programm für:

• Nachtschwärmer und Mondsüchtige
• Schwarzseher und Hellsichtige
• Weltraumspaziergänger und Tagträumer
• Menschen, die hintergründigen Humor dem Schenkelklopfen vorziehen
• alle, die lachen mögen, auch über sich selbst

Unfassbar, verrückt und bezaubernd! Berliner Zeitung

Blockflöte – wie sie die Welt noch nie erlebt hat. Der Musiker und Komiker Gabor Vosteen kombiniert virtuose Blockflöten-Musik, Poesie und Comedy. Sein Markenzeichen ist das einzigartige Spiel auf fünf Blockflöten gleichzeitig, welches ihm den Titel "Der Flötenmann" eingebracht hat.  Wer hätte sich vorstellen können, „Genie“ und „Blockflöte“ in einem Satz zu erwähnen?

Der Künstler absolvierte ein Musikstudium an der Hochschule für Musik und Theater in Hannover, eine Theaterausbildung an der École Lassaad, École internationale de Théatre in Brüssel sowie Clowntraining an der Zirkusschule in Budapest.

Er mixt die perfekte Beherrschung des Instruments mit Humor und Bewegungskunst, die sprachlos ist und sprachlos macht. Mozarts „Kleine Nachtmusik“ hat man schon in allen möglichen Varianten gehört − aber wohl kaum je von drei, vier, fünf Blockflöten gleichzeitg von einem Menschen gespielt - umwerfend sensationell!

Gabor Vosteen wurde international mit mehreren Preisen ausgezeichnet. Mit seinem Können und seinem Stil tritt er an unterschiedlichen Orten auf: im Circus Roncalli, im Schmidt Theater Hamburg, Auftritte in Konzertsäalen wie dem Konzerthaus Wien, KKL Luzern, Gewandhaus zu Leipzig, an der Night Of The Proms und in Fernsehshows wie „Le plus grand Cabaret du Monde“.

Mit unzähligen Plastikflöten, einer rockigen E-Flöte, der einzigen Leopardenbassflöte der Welt und frechen Flötenideen geht er auf Mission: Bach, Paganini, Popmusik und eigene Kompositionen - erleben Sie einen grandiosen Virtuosen, eine fantastische One-Man-Show, die zudem noch unglaublich lustig ist.

von Mirjam Neidhart und Katharina Rupp - Schauspiel

Langwierig und mühsam war für die Schweizerinnen der Kampf um Stimm- und Wahlrecht, Kindsrecht, Eherecht, Gleichstellungsrechte und vieles mehr, was nicht nur als Frauenrecht, sondern als Menschenrecht erobert werden musste. Und heute geht fast vergessen, wie jung diese Errungenschaften sind und wie bedroht so manche Gleichberechtigung zwischen den Geschlechtern bleibt. Dieses Projekt erinnert an mutige Pionierinnen, an haarsträubende Verhinderer und eindrückliche Kampagnen. Es lässt Expertinnen und schweizerische Ikonen des Feminismus zu Wort kommen und zeigt, dass wir noch mittendrin sind.

Mirjam Neidhart und Katharina Rupp machen sich an ein weiteres Thema zur Schweizer Geschichte. Nach ihren grossen Erfolgen mit dem Doku-Theaterprojekt «Torschusspanik» und der Roman-Adaption «Das Land, das ich Dir zeige», welche die Geschichte von TOBS während des zweiten Weltkriegs thematisierte und an internationale Festivals eingeladen wurde, widmen sie sich nun einem Thema, welches auch die Gender-Diskussion und die #MeToo-Debatte aufgreifen wird.

Mirjam Neidhart, 1965 in Basel geboren, studierte an der Accademia Teatro Dimitri und an der Zürcher Hochschule der Künste (ZHdK). Sie war Oberspielleiterin am Reutlinger Theater Die Tonne und arbeitet seit 1996 als freie Regisseurin und Autorin in Deutschland und in der Schweiz.